Jeff Koons

Jeff Koons es un artista estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.

Koons fue quizás el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Dada la naturaleza de su arte, Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes.

Su obra, clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad.

Este artista tuvo una relación con Ilona Staller, a raíz del comienzo de esta relación, el artista realizó una serie de representaciones sexuales de la pareja en muchas de sus obras.

Al mes de conocerse se casaron y tuvieron un hijo. Poco más tarde, ella se marchó con su hijo, desaparecieron sin dar señales de vida a su padre, quedando este verdaderamente dolido y traumatizado.

A partir de este altercado decide comunicarse con su hijo a través del arte, realizando obras infantiles que le ayuden a crecer. En realidad su obra no me gusta demasiado, son demasiado brillantes y me recuerdan a las típicas figuras de porcelana que mi abuela coloca en su casa. Lo que si me ha gustado realmente de este autor es que su obra gire en torno a su vida, a sus problemas y nos intente expresar sus sentimientos mediante estas, ya que en mi opinión para eso es el arte, para expresar nuestros sentimientos y hacer sentirlos a lo demás. 

Escultura que me recuerda a las figuras de porcelana de mi abuela:

 Escultura monumental:

Escultura inspirada en su mujer:

Escultura dedicada a su hijo:

Gregor Schneider

 Gregor Schneider  es posiblemente uno de los artistas conceptuales alemanes más importantes de su generación, además de un destacado escultor. Schneider concibe su trabajo como esculturas tridimensionales en las que se puede pasear, alterando o escondiendo el espacio existente, siempre en relación con el edificio Haus ur de Rheydt, también conocida como House of Horror donde nació y donde, en la actualidad, sigue viviendo. Allí continuamente reelabora los espacios de que dispone el edificio, moviendo paredes, suelos y techos,  simulando día y noche mediante iluminación, etc. Y a lo largo de estos años ha reconstruido esos mismos espacios en salas de museos de todo el mundo.Las estancias de Schneider son creaciones espaciales tan irreales como misteriosas, aunque parezcan reales ya que nos son muy cercanas y comunes a la vida diaria, estas estancias son copiadas del mundo real a la realidad ficticia del arte.
Para las diferentes exposiciones en las que participa, Schneider presenta zonas de su casa. El artista lleva transformando el espacio interior del edificio desde 1985. Espacios dentro de espacios que se encuentran, a su vez, dentro de espacios. Estas habitaciones pasan de ser espacios totalmente normales a ser espacios en los parece que se han cometido crímenes.A mí personalmente no me gustaría ser invitada a esa casa, ya que simplemente la idea de verme entre esos pasillos me da claustrofobia y con solo ver las imágenes de las habitaciones en simples fotografías me causa un gran terror. No digo que esto no sea arte, ya que creo que consigue lo que quiere, mediante la intervención en el espacio consigue crear una serie de sensaciones distintas en cada persona, ya que por los vídeos podemos ver que no a todo el mundo le parece terrorífico 

Ahora, Schneider tiene en mente exponer la belleza de la muerte, una idea que ronda su cabeza hace tiempo. ¿Cómo lograrlo? Pues realizará una exposición, es decir, un hecho artístico del que participarán cadáveres y enfermos terminales.

Segundo cuadro Pintura III

En esta entrada podemos ver el proceso desde la primera manchas que se corresponde con la primera imagen que nos encontramos hasta el cuadro ya acabado. No existen fotos del encaje previo realizado a carbón, pero es que soy un poco desastre a la hora de acordarme de realizar las fotos.

 Después de la primera mancha en la que he puesto todo en un tono general, en la segunda mancha voy entonando un poco las luces y las sombras y he igualado un poco el fondo que estaba todo lleno de pinceladas desiguales y de distintos tonos realizadas únicamente pra tapar el blanco del fondo.

En esta imagen podemos ver que al igual que posteriormente con el fondo, hemos igualado las pinceladas de la tela y marcado un poco más los pliegues.

Detalle del a cara:

Detalle del pecho, podemos ver como en las sobras tiene unos tomos mas violetas y en la luz un tono mucho más cálido:

Detalle de la rodilla:

Piernas y brazo:

Medio cuerpo:

 Cuadro ya finalizado:

Creo que mi mayor problema es que no logro captar bien los colores del cuerpo, pero en clase he aprendido que a las sombras hay que aplicarle tonos fríos y a las luces cálidos. También he aprendido que no solo hay que mirar, también hay que pensar y poner colores más fríos en las zonas en las que yo piense que hay menos riego sanguíneo.
Veo un poco de mejoría del primero al segundo. En el primero veo que está todo muy igual, en cambio en este creo q se diferencian bastante mejor los tonos, espero que el tercero y último salga mejor.

Primer cuadro Pintura III

Proyecto Pintura III

Aquí dejo el proceso de mi proyecto de pintura III, anteriormente publiqué una entrada (mi futuro) en la que exponía el boceto y la idea previa.
Una vez finalizado en trabajo completo quiero dejar aquí los pasos que muestran el proceso de mi trabajo: 

Boceto previo realizado en papel:

 Dibujo realizado en un bastidor de madera de 1,10 m de largo y 0,70 m de alto. Aquí aparece el dibujo realizado a escala y el fondo pintado:

 Aquí ya he pintado el reloj digital y de bolsillo y he realizado la primera mancha del al arena del reloj. Po otro lado también he realizado las transferencias de los calendarios:

  

 Peloj de bolsillo, aún quedan por pintar las manillas:

 Detalle del calendario pasado por transferencias con disolvente universal y reloj de arena solo manchado:

 Aquí muestro un detalle de las pinceladas del reloj de bolsillo:

 Reloj de bolsillo:

 Cuadro medio acabado, solo le queda por pintar el reloj de sol, reloj de pared y dar las veladuras blancas al reloj de arena para que parezca cristal. Por otro lado queda toda la parte de la escultura.

 Boceto a papel de mi pensamiento de lo que quiero que sea mi escultura, quiero que me represente a mi, pero de forma icónica, no quiero que se parezca. La he dibujado con un pincel y una paleta porque quiero que parezca que es ella la que esta pintando el cuadro y así poder jugar con la escala.

 Imágenes del dibujo realizado en el corcho previamente del perfil y el alzado de la escultura para después tallarlo:

 Escultura ya tallada y lijada. La he tallado con hojas de sierra y cuters. Después la he lijado con una lija de papel.

 Este es el cuadro ya terminado de pintar, solo queda por ponerle el detalle de la escultura.

Proyecto ya terminado. Le he colocado una tabla pintada en gris oscuro, clavandola debajo del cuadro, la escultura también está clavada.

Escultura.

 Escultura pintando, con su paleta y su pincel:

Guillermo Pérez Villalta

Guillermo Pérez Vilalta es un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España, también se dice que pertenece a una corriente que llaman neomanierismo.

Empezó a estudiar arquitectura pero dejó los estudios, pero esto ha influido en su carrera artística.

 En los 70 conformó un estilo manierista de colorido y figuras deformadas en contorsiones. A mediados de los 80, fue hacia un colorido más cálido y «sucio», con una técnica más suelta.

La exposición “Viajes de Gulliver”, la cual se encuentra en el Palacio de la Madraza es una muestra en la que se exhibe la serie completa de las ilustraciones que el pintor realizó en 2005 para ilustrar una edición del conocido cuento “Los viajes de Gulliver”, de Jonathan Swift, publicada originalmente en 1726.

Se trata de la cuarta obra literaria que ha ilustrado Pérez Villalta. Además, se exponen también dos piezas de su colección particular que pueden considerarse como emblemáticas de su producción: “Hombre dibujando” (2002) y “El artista viendo un libro de arte” (2008).

Las ilustraciones asociadas al texto, se acompañan de unas originales y bellas letras capitulares, de ornamentos y filigranas que indiscutiblemente completan la obra a través de multitud de detalles, conformando una colección de casi un centenar de dibujos originales.

Esta exposición me ha gustado muchísimo, no conocía a este autor y ciertamente no me esperaba este trabajo antes de entrar. No pude evitar el sonreír ya que, excepto los dos cuadro anteriores, todos son ilustraciones de cuento y me hizo sentirme como a una niña pequeña. Tengo que añadir que parte del inmenso interés que sentí por la exposición es porque, en un futuro, me gustaría realizar algún trabajo de ilustración de cuentos o incluso dedicarme a ello.
Todos los trabajos están realizados en acuarelas con un delicado esmero que nos hace ver  lo que este artista ha debido disfrutar realizando su trabajo. Visitar esta exposición me ha aportado bastante y me ha hecho ver que, por más que hayan avanzado las tecnologías, el trabajo artístico manual aún está valorado y no todas las ilustraciones deben ser realizados por ordenador, ya que a mi se me da realmente mal y había abandonado por completo la idea de un futuro en este campo.

Sean Scully

Pintor y fotógrafo estadounidense de origen irlandés.

La influencia de artistas como Mondrian o Matisse le sirve para construir un nuevo estilo de pintura abstracta que parte del expresionismo y minimalismo, de los que extrae la fuerza del gesto, la geometría, las luces y el color. Sus pinturas son grandes estructuras reticulares que gracias al color y luz consiguen una expresividad.

Sus viajes a Maruecos son de gran importancia para el desarrollo de la pintura de este autor. Al igual que otros autores como Matisse o Delacroix realiza viajes a México, Caribe y al norte de África y toma como influencia su sensibilidad táctil y su ritmo geométrico. Scully descubre en África que el color está en el cerebro de uno mismo. La textura de las alfombras usadas le aportó una mirada hacia el dinamismo de lo erosionado.

Scully buscas como atrapar en el ritmo geométrico la sensación de luz, espacio y movimiento. Lo que hay es un análisis de la forma y la sensación expresado como un entramado, basado en el ritmo repetitivo y la estilización.

Según el pensador Titus Buckhardt los tres componentes de la arquitectura árabe son geometría, ritmo y luz, componentes que usa Scully en su pintura tras su primer viaje al mundo árabe.

En la exposición en el Palacio de Carlos V, organizada por el patronato de la Alhambra y Generalife, podemos ver su obra articulada en tres partes:

1. -Siete grandes pinturas al óleo sobre tela o aluminio realizadas entre 2005 y 2010.

2. -Un conjunto de 40 acuarelas a manera de visión retrospectiva, como pequeños patios que nos acercan a la obra general de Scully, que les llevo 20 años hacer.

3.-Tres series de fotografías.

Su fotografía no representa tanto la luz como la estructura pictórica, son fotos tomadas de frente de muros de piedra, fachadas con ventanas y azulejos de la Alhambra, sin horizonte ni espacio y nos recuerda a su obra pictórica ya que se confunden con rectángulos.

Dice que la abstracción es el arte de nuestra época, que es un arte increíblemente generoso porque nos permite ser libres de identificarnos con la obra. Consigue que la simple geometría sirva a una expresión interior.

En realidad al ver la exposición no me he quedado demasiado contenta, me ha gustado mucho la inmensidad e los cuadros de la segunda parte de la exposición, aunque se trate de estudios de luces y color, no deja de ver una serie de cuadrados pintados en un lienzo, que a mi personalmente no me transmite ningún sentimiento aunque sí me parecen bastante estéticos.

Lo que mas me ha gustado de la exposición son las tres series de fotografía, ya que se ve perfectamente lo que andaba buscando, la geometría de sus cuadros en situaciones y lugares de la vida diaria. La serie que me ha gustad más en especial ha sido Santo Domingo for Nene.